martes, 29 de septiembre de 2009

Semana 10

**Nota: De manera excepcional publico el post en martes. Tengo problemas con la computadora (ordenador)  y necesito formatear y cambiar de SO, asi que como ya tengo el post hecho y no quiero que se pierda (que pudiera suceder) porque no estoy seguro que el formato de Windows Live! Writer sea compatible entre versiones, entonces, para no complicarme la existencia les adelanto el post.
Les deseo buena lectura.
Miguel.

Esta ocasion es la ultima de la serie de fotografos mexicanos (debido al mes patrio), pero aprovecho para dejarles una lista de fotografos mexicanos que vale la pena admirar, realmente les recomiendo que no se los pierdan;

  • Manuel Alvarez Bravo
  • Lola Alvarez Bravo
  • Edward Weston
  • Agustin Casasola
  • Tina Modoti
  • Nacho Lopez
  • Julian Carrillo
  • Gabriel Figueroa
  • Enrique Segarra
  • Aramando Salas Portugal
  • Mariana Yampolsky
  • Lazaro Blanco
  • Juan Rulfo
  • Pedro Valtierra
  • Pedro Meyer
  • Enrique Bossterman
  • Enrique Segarra hijo
  • Fabritzio Leon
  • Emanuel Lubezky
  • Rodrigo Prieto
  • y un gran etc.
Carlos Alberto Estrada
http://www.grado1.com/CarlosEstrada/
CarlosEstrada_portada
Mexicano (Ciudad de Mexico), titulado de diseño grafico en la universidad Iberoamericana, fotografo. Carlos Alberto nos muestra una gran sensibilidad fotografica que va de la mano con su estilo franco y extremadamente limpio. Imagenes claras, contundentes y perfectamente bien balanceadas. Su modo de ver el mundo a traves del visor de la camara muestra la influencia de su formacion como diseñador: lineas, formas, colores y figuras que cautivan nuestra vista y captan nuestra atencion de manera automatica.
La simplicidad que otorgan las fotos minimalistas, aunado al efecto visual que da el contraste y el respeto casi dogmatico de las reglas de composicion hacen de sus tomas un centro de atencion obligado.

CarlosEstrada_flor

CarlosEstrada_Producto
Les recomiendo ampliamente que visiten su sitio: http://www.grado1.com/CarlosEstrada/
Esta parte del post la quiero finalizar expresando mi mas sincero agradecimiento a Carlos Estrada por haberme contactado y por haberme autorizado a publicar un post sobre su trabajo. En horabuena Carlos, tu trabajo es excelente y un ejemplo a seguir para aquellos que se interesan en aprender este arte.

Edna Basurto
http://www.flickr.com/photos/muerdecabras
Fotografa Mexicana (Ciudad de Mexico, Mexico)
Platicando con Edna Basurto es facil darse cuenta de la dureza de su autocritica y de su deseo por hacer cada vez fotos de calidad y de gran creatividad. En una gran cantidad de fotografias nos muestra su gran sentido para aprovechar la iluminacion natural, desde un ramo de flores iluminado tan solo por el rayo de sol que entra por una ventana, la dura luz del sol del medio dia, o el leve resplandor de las luces nocturnas de Los Angeles son suficientes para lograr una gran toma.
 



Este tipo de fotos le han valido varias publicaciones en medios electronicos, por ejemplo, ha tenido dos veces la portada de fotocommunity asi como en en Schmap (una guia turistica de los
Angeles).

Ella se define como como una fotografa amateur con gran pasion con futuro (futuro cercano, a mi modo de ver).
Gracias Edna por compartir con nosotros tus imagenes.

La Toma de la Semana

(Esta foto fue tomada en locacion -Parc Floral Vincennes-  por Gloria Villalpando.
El fondo es el cielo –sobre expuesto > 2 EV-)
Ya sea en el estudio o en locacion una de las cosas que debemos de cuidar cada vez que hacemos una fotografia, y que comunmente se suele ignorar o subestimar, es el fondo de la misma, sin embargo, es tan importante como el motivo u objeto tema. Hay veces en que no podemos preparar o elegir el fondo porque estamos tomando una fotografía “documental” de algo que está sucediendo en un instante determinado y no se repetirá luego.
Pero en los casos que podamos tomarnos tiempo para pensar la composición, debemos prestar mucha atención al tema del fondo, ya que este influye de manera determinante en el resultado final.
No es necesario que el fondo sea de un solo de color, es decir, puede haber otros elementos, pero siempre debería haber una clara diferencia entre el fondo y el objeto tema.
¿Qué hago si no tengo opción?  Bueno, en estos casos una buena opcion es utilizar el zoom para cerrar el encuadre de manera que casi no se vea el fondo y que el motivo ocupe toda la imagen. Este recurso es ideal para fotografiar personas. La semana pasada (Semana 10) hablabamos de los planos que podemos utilizar, revisando un poco el tema anterior  podras encontrar buenas ideas de aplicacion inmediata que haran que tus fotos mejoren mucho.
Cuando se hace una fotografia la idea sen debe mostrar de forma clara y comprensible. ¿Cómo se relaciona esto con el fondo de una imagen? Simple: Un fondo uniforme y contrastante con el objeto tema nos ayudará a resaltarlo.

(Ambas fotos fueron tomadas en locacion -Parc Floral Vincennes-, el fondo utilizado fue de este tipo)
Un fondo lleno de elementos harán que lo que queremos destacar se pierda.
 
(Foto tomada en locacion-Parc Floral Vincennes-)
Algo muy utilizado cuando queremos resaltar nuestro motivo es hacer uso de la apertura del lente y  hacer que el fondo se vea borroso. ¿de que otra forma podemos lograrlo? , la respuesta es simple: Siempre ayuda acercarte al motivo, de esta forma, al hacer foco en él se desenfocará el fondo (si el fondo no está muy cerca de nuestro modelo a fotografiar).

(Foto tomada en locacion -Parc Floral Vincennes-)
Si les interesa ver algunas fotos mas en las que pueden observar la importancia del fondo, visiten la pagina de flickr de prioridad de apertura haciendo click aqui.
Las fotos en estudio (mi departamento) fueron tomadas con el siguiente setup (Aunque creo que en el video se puede apreciar mejor)
Para terminar, les dejo un video con una serie de elementos que les seran de utilidad.

martes, 22 de septiembre de 2009

Semana 09

Es casi fin de mes y hemos visto la biografia y la obra de algunos afamados fotografos mexicanos. En esta edicion del blog es turno de Dolores Martinez de Anda quien es mundialmente conocida por el diminutivo de su nombre (Lola) y su apellido de casada (Alvarez Bravo): Quien no ha oido hablar de ella?
Les dejo a continuacion la biografia de esta gran fotografa y una liga para que puedan apreciar parte de su obra.



Lola Alvarez Bravo



Manejó la cámara con la determinación de un toque de su dedo, con la profunda astucia de su mirada curiosa; en la búsqueda del efecto, del instante, de la expresión , atrapó momentos como en jaulas de tiempo; Lola conservó la esencia de quien pasó por su vida; cazadora de situaciones instantáneas, alquimista de imágenes.1
Lola Alvarez Bravo ( Dolores Martínez de Anda) nació en Lagos de Moreno, Jalisco. Conoce a Manuel Alvarez Bravo desde niña; se casa con él en 1925 y se van juntos a vivir a Oaxaca. Ahí, el contacto con el pueblo y sus artesanías, conmueve su sensibilidad. El matrimonio es muy pobre de modo que, al irse aficionando a la fotografía tiene que compartir la cámara con su esposo, quien, en un principio, no le permite grandes posibilidades de acción en este campo. Sin embargo aprende de ‘el la técnica de la fotografía.
Frecuentan a los intelectuales y artístas del momento, como Diego Rivera, Dr. Atl, etc. Se separa de Alvarez Bravo en 1935 y empieza a trabajar en la Secretaría de Educación Pública haciendo fotografías para la revista El maestro rural , con lo que entra en contacto con el campo. Es muy amiga de Frida Kahlo y de María Izquierdo.
Trabaja en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad. En 1955 ella tomó parte en la exhibición “ The Family of Man” , organizada por Edward Steichen para el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Su pasión la llevó a abrir la Galleria de Arte Contemporáneo en donde Frida Kahlo realizó la primera exhibicion individual de una mujer en México en 1953.
El libro “ Escritores y Artistas” de Lola Alvarez Bravo fué publicado en 1982 así como el de “Recuento fotográfico”. Lola tomó parte en numerosas exhibiciones fotográficas dentro y fuera de México. Lola Alvarez Bravo murió en la ciudad de México en 1993.
Los estudios de Alvarez Bravo sobre el cuerpo humano, masculino y femenino, son sobre todo estudios de la forma y la composición. Las líneas marcadas y los contrastes dramáticos de luz caracterizan unas de sus obras. Cabe hacer notar que la fuerza de las mujeres de Lola emana de sus cuerpos; son dueñas de sí mismas y su físico es un estandarte de vitalidad personal y síquica.2
Manuel y Lola Alvarez Bravo fotografiaron espacios habitados por el hombre, vividos; no idealizaron, como tantos otros antes y después, los rostros indígenas y las actitudes seculares de los campesinos, ni revindicaron elementos fácilmente folklorizables de los ritos religiosos del México profundo. Como los pintores, los músicos y los poetas de su generación, encontraron su materia estética ahí donde anteriormente sólo se veía suciedad y pobreza.3
Lola Alvarez bravo deja que la realidad se imponga a su lente. Su propia presencia apenas aflora. Fotografía comúnmente a la gente de espaldas o de lado, sin que se entere; la sorprende en sus quehaceres domésticos, en sus gestos cotidianos, en sus ensueños. Este distanciamiento voluntario – que no anula la subjetividad – no se traduce en imágenes frías e impersonales, sino que ahonda en la intimidad.
La mirada reflexiva de Lola Alvarez Bravo es siempre respetuosa, profundamente humana. Se detiene sobre los seres con una ternura que imprime a sus fotografías una sinceridad poco común. Es la mirada de un testigo fiel que pretende transmitir sin artificios lo que ve y lo que siente.
“ Cuando yo era niña me enseñaban a servir el té, a hacer pasteles y platillos franceses que, de tan decorados, se volvían infames y nadie quería probar. Nada de eso me gustaba. Se suponía que yo debía saber cosas porque era señorita, pero a mí me parecían denigrantes. También querían que aprendiera a tocar el piano. Yo sabía lo que iba a pasar: en las fiestas tendría que tocar para que los demás brincaran. Entonces dije que no. Dije que en todo caso yo también quería brincar.” LAB Comunicación personal.
Lola Alvarez Bravo pertenece a una generación de mujeres educadas en los años posteriores al porfiriato, y en los primeros de la revolución, marcadas aún por la moral decimonónica. En las clases burguesas, sobre todo, el único camino posible de la emancipación para jóvenes carentes de toda formación fuera de las “ labores propias de su sexo”, es el matrimonio. Ser musa de artista ofrece, en los años veintes y treintas ventajas ineludibles: María Asúnsolo, Lupe Marín, Nahui Olín, a su manera se abren camino en el medio intelectual mexicano.
Sin embargo, sólo Frida Kahlo, María Izquierdo y Lola Alvarez Bravo despuntan como auténticas creadoras, solitarias. Frida y María trabajan en su taller, rodeadas de sus amigos y de sus parientes; Lola anda sola por las calles:
“ Yo era la única mujer que andaba brincando con una cámara en las calles, en los desfiles deportistas y del 16 de Septiembre, y todos los reporteros se burlaban de mí. Así que me volvi gallo.”
LAB Comunicación personal.
Conservó su apellido de casada. Era una manera de reconocer sus orígenes, no sólo sentimentales, sino profesionales también. Con ello, adoptó una línea de conducta, un estilo y, sobre todo, una ética. Una y otra vez, a todos los que la entrevistaron, Lola Alvarez Bravo repetía la misma frase: “ Si algún valor tienen mis fotos, es porque muestran un México que ya no existe”.
   



Planos Fotograficos

Plano panorámico
El plano panorámico muestra un gran escenario o una multitud. El sujeto o no está o bien queda diluido en el entorno, lejano, perdido, pequeña. Tiene un valor descriptivo y puede adquirir un valor dramático cuando se pretende destacar la soledad o la pequeñez del hombre frente al medio. Se da así más relevancia al contexto que a las figuras que se fotografian. También se utiliza para mostrar los paisajes.
Plano general:
Presenta a los personajes de cuerpo entero y muestra con detalle el entorno que les rodea. Lo podemos notar en carteles de películas mayoritariamente.
Plano conjunto
El Plano conjunto es el encuadre donde aparece un personaje con otro. Es decir en el cuadre final aparecen dos personas.
Plano figura (Plano entero)
Es el encuadre donde los límites superiores e inferiores coinciden con la cabeza y los pies del sujeto.
Plano americano
O también denominado 3/4, o plano medio largo, recorta la figura por la rodilla, aproximadamente, para mostrar la acción de las manos. Como dato curioso se puede agregar que este plano se  utiliza desde los westerns para mostrar al sujeto con sus revólveres.
Plano medio
Recorta el cuerpo a la altura de la cintura. Se correspondería con la distancia de relación personal, distancia adecuada para mostrar la realidad entre dos sujetos.
Plano medio corto
Capta el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho. Este plano nos permite aislar una sola figura dentro de un recuadro, y descontextualizarla de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.
Primer plano
En el caso de la figura humana, recogería el rostro y los hombros. Este tipo de plano, al igual que el Plano detalle y el Primerísimo primer plano, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje.
Primerísimo primer plano
Capta el rostro desde la base del menton hasta la punta de su cabeza. También dota de gran significado a la imagen.
Plano detalle
Solo muestra en su maxima expresion a un objeto. En esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva. Sirve para enfatizar algún elemento de esa realidad. Destaca algún detalle que de otra forma pasaría dasapercibido.
Variaciones de un plano
Los planos anteriores pueden variar según los siguientes elementos:
1. Angulaciones de la cámara
Normal: el ángulo de la cámara es paralelo al suelo.
Picado: la cámara se sitúa por encima del objeto o sujeto mostrado, de manera que éste se ve desde arriba.
Contrapicado: opuesto al picado.
Nadir o Supina o Contra Picado Perfecto: la cámara se sitúa completamente por debajo del personaje, en un ángulo perpendicular al suelo.
Cenital o Picado perfecto: la cámara se sitúa completamente por encima del personaje, en un ángulo también perpendicular.

Planos
*Nota: El movimiento de la camara es de Arriba (Cenital) hacia Abajo (Nadir) de nuestro modelo y no al rededor de el.
2. Altura de cámara
Normal: La cámara se sitúa a una distancia del suelo equivalente a la de la vista.
Baja: La cámara se sitúa por sobre el metro y medio de distancia al suelo.
Alta: Se sitúa a una distancia mayor a 1,80 metros.
Adaptacion para fotografia realizada a partir de
http://es.wikipedia.org/wiki/Plano_cinematográfico
Ejemplos graficos en: http://www.dzoom.org.es/noticia-1406.html
La Toma de la Semana
Esta semana ha sido realmente diferente: Mi vida cotidiana ha cambiado en estos dias y mis actividades diarias han transcurrido entre lo habitual (estudiar, transporte publico, trabajar un poco y leer mucho) y las actividades propias de un turista, si, como lo leen: La familia de mi esposa esta de visita en nuestra casa y pues hemos paseado un poco por la ciudad.
Estas actividades de turista me han hecho reflexionar y regresar a lo basico: No podemos andar cargando con reflectores, flashes, tripies de iluminacion, y no se cuantos kilos mas de equipo para que cada vez que “se nos presenta la ocasion” saquemos todo y hagamos una fotografia.
El sabado pasado (19/09/2009) salimos de paseo a Fontainebleau y solo cargue con mi D-90 un lente (VR 18-105) y un tripie bilora. El tiempo estaba genial, caia la tarde y comienza el otoño, asi que en las fotografias que tome predominan los tonos rojizos, ocres y amarillos.
En las siguientes fotografias les muestro lo que logre apenas con unos rayos de sol que se colaban entre las ramas de los arboles, un tripie, un solo lente y algunos de los consejos que se han dado en este blog, ademas, de comentar cada fotografia. Espero las disfruten.
Fontainebleau_Pano3
La entrada al palacio es impresionante… y amplia como para quererla capturar en una sola toma, es por eso que me decidi a tomar esta panoramica. Basicamente esta dividia en tres secciones que estan claramente marcadas por cada una de las tres alas del palacio. Los puntos de empalme fueron, para el lado izquierdo, a partir del campanario (la torre mas alta que se puede ver en el ala transversal) y para el lado derecho, el ultimo bloque del ala transversal.
Una vez que llegue a casa fue hora de montar las fotografias, para eso utilice el hugin (Post de la Semana 6) y para resaltar los colores y dramatizar el aspecto del cielo, manipule la foto en PhotoShop. La manipulacion fue realmente sencilla:


  1. Abrir la foto y con la herramienta de “photo filter” elegir un tono calido y ajustar su densidad hasta que nos guste. Despues de esto, se mezclan las capas.


  2. Duplicar la capa y cambiar el modo de fusion de la capa superior a “Multiplicar”


  3. Aplicar una mascara de capa


  4. Con la herramienta de pincel, con una opacidad del 33%, retocamos la mascara de capa para aclarar aquellos lugares que asi lo requieran.


  5. Mezclar las capas.


  6. Guardar el archivo

Los datos EXIF de esta toma fueron (para las tres fotografias que la componen):
Exposure Time (1 / Shutter Speed) = 10/200 second ===> 1/20 second ===> 0.05 second
Lens F-Number / F-Stop = 220/10 ===> ƒ/22
Exposure Program = manual control (1)
ISO Speed Ratings = 200


Las tomas panoramicas son excelentes para mostrar el paisaje o el entorno, pero si nos gusta salir en la foto por que no podemos posar en nuestra panoramica?
Para poder apreciar adecuadamente a los individuos que saldran en nuestra panoramica es necesario considerar que no salgan muy pequeños pero tampoco tan grandes que se pierda el paisaje. Para esto podemos utilizar un primer plano y una toma 3/4 de nuestros sujetos.
Para obtener un buen resultado, no importa donde posen nuestros modelos, lo que realmente importa es que nunca esten sobre las areas de empalme de las fotografias que compondran la panoramica. En las areas de empalme es atlamente recomendado que solo aparezcan objetos inanimados.

El resultado de lo que les propongo es el siguiente (El post-proceso fue identico que en la panoramica anterior. Es necesario hacer notar que las fotos laterales son las mismas para las dos panoramicas y lo unico que cambia es la foto central)

Print
Despues, caminando por los jardines del palacio, quede maravillado de las tonalidades que domiaban el paisaje, ademas de todos esos rayos de luz que cruzaban por el follaje que aun quedaba en los arboles. Es increible la cantidad de escenas dignas de exhibicion que pude encontrar. Eran escenas tan pequeñas (y para algunos pueden ser insignificantes) que facilmente pasarian desapercibidas para un ojo con poca practica.

Para las siguientes tres imagenes el tratamiento en PhotoShop fue el mismo:


  1. Abrir la foto y con la herramienta de “photo filter” elegir un tono calido y ajustar su densidad hasta que nos guste. Despues de esto, se mezclan las capas.



  2. Duplicar la capa y cambiar el modo de fusion de la capa superior a “Multiplicar”



  3. Aplicar una mascara de capa


  4. Con la herramienta de pincel, con una opacidad del 33%, retocamos la mascara de capa para aclarar aquellos lugares que asi lo requieran (los sujetos de foto: pluma, tronco y hoja verde) con lo que lograremos reforzar la atencion en nuestro punto clave de la fotografia.


  5. Mezclar las capas.


  6. En el menu de Filtros –> Distorcion –>  Correccion de Lente podemos encontrar la herramienta de viñeteado. Esta herramienta esa diseñada para hacer la correccion de las viñetas que algunos lentes crean en los limites de la fotografia, sin embargo, yo la utilice al contrario y agrege el viñeteado a cada una de las imagenes, logrando asi reforzar la sensacion de iluminacion puntual que obtuve de manera natural con los rayos de luz que se proyectaban entre el follaje.


  7. Guardar el archivo

DSC_3298
EXIF Pluma
Exposure Time (1 / Shutter Speed) = 10/900 second ===> 1/90 second ===> 0.01111 second
Lens F-Number / F-Stop = 53/10 ===> ƒ/5.3
Exposure Program = manual control (1)
ISO Speed Ratings = 200

DSC_3302
EXIF Tronco
Exposure Time (1 / Shutter Speed) = 10/2500 second ===> 1/250 second ===> 0.004 second
Lens F-Number / F-Stop = 56/10 ===> ƒ/5.6
Exposure Program = manual control (1)
ISO Speed Ratings = 200

DSC_3305
EXIF Hoja
Exposure Time (1 / Shutter Speed) = 10/1250 second ===> 1/125 second ===> 0.008 second
Lens F-Number / F-Stop = 56/10 ===> ƒ/5.6
Exposure Program = manual control (1)
ISO Speed Ratings = 200

El domingo continue mi turisteada y fui al Arco del Triunfo. Les dejo una imagen un poco insolita de el: La escalinata que hay que subir para llegar a la terraza superior del arco. (Nota, este tipo de perspectiva se llama “picado”)
El tratamiento fue sencillo:


  1. Desaturar la imagen (llevarla a escala de grises)


  2. Ajustar brillos y contrastes “al gusto”


  3. Con la herramienta Hue/Saturacion selecciomamos “colorear” y ajustamos el color de la imagen, despues, desaturamos (ahi mismo) un poco para evitar que la imagen se vea artificial. El objetivo de esto es lograr, de la manera mas cercana a la realidad, los tonos que podemos ver en un papel de fibra con acabado calido.


  4. Mezclar las capas.


  5. Guardar.

DSC_3344
Los datos EXIF de esta imagen son:
Exposure Time (1 / Shutter Speed) = 10/15 second ===> 1/1.5 second ===> 0.66667 second
Lens F-Number / F-Stop = 56/10 ===> ƒ/5.6
Exposure Program = manual control (1)
ISO Speed Ratings = 1250

Bonus Track

Herramientas utiles para el Firefox:
Exif Viewer  (Realmente Practica!)
Histogram Viewer (Solo un Gadget, pero funciona bien)
Finalmente les dejo tambien un video de Richard Avedon. Disfrutenlo




Gracias por leerme

miércoles, 16 de septiembre de 2009

Semana 08

Tercer fin de semana de septiembre, el mes patrio para nosotros los mexicanos, por lo tanto sigo con mi espirituo patriota por lo que esta vez les presento de nueva cuenta a otro fotografo mexicano:
Juan Rulfo


Juan Rulfo (Sayula, Jalisco, 16 de mayo de 1917 - Ciudad de México, 7 de enero de 1986), escritor, guionista y fotógrafo mexicano , perteneciente a la generación del 52. La reputación de Rulfo se asienta en dos pequeños libros: El llano en llamas, compuesto diecisiete pequeños relatos y publicado en 1953, y la novela Pedro Páramo, publicada en 1955. Se trata de uno de los escritores de mayor prestigio del siglo XX, pese a ser poco prolífico. Ha sido considerado uno de los mas destacados escritores en lengua española de este periodo, junto a Jorge Luis Borges, por una encuesta realizada por la editorial Alfaguara. Nacido en Apulco, pero registrado en Sayula, y que vivió la mayor parte de su niñez en San Gabriel, en el estado de Jalisco, quedó huérfano de padre a los seis años. Cuatro años después, falleció su madre. Vivió con sus abuelos y posteriormente en un orfanato en la ciudad de Guadalajara.
Reconocido mundialmente por su obra literaria, Juan Rulfo realizó además un importante trabajo fotográfico que en los últimos años ha generado gran interés. Mucho más que una afición incidental (el legado comprende un archivo de más de seis mil negativos), las fotografías de Rulfo expresan el mismo mensaje de su obra escrita y representan, tal vez, la imagen de todo aquello que no escribió. "Como si Rulfo -para decirlo con palabras de Carlos Fuentes- se asomase fuera de las tumbas de Comala para descubrir la luminosidad de las sombras". El tiempo, el desamparo, la muerte... temas centrales en sus libros, son también los motivos de estas imágenes que recrean el denso ambiente del México rural y en las que, una vez más, Rulfo nos muestra su capacidad para captar lo esencial.
La primera gran exposición de fotografías de Rulfo tuvo lugar en 1980, en el marco de un homenaje nacional al escritor. La más eciente, México: Juan Rulfo fotógrafo, se inauguró el 19 de abril de 2001 en el Palau de la Virreina de Barcelona (Espai Xavier Miserachs). Se trata, sin duda, de la más completa hasta el momento, capaz de trasmitir la riqueza de un México que ya había sido atrapado en las páginas de sus libros. Un México agreste y entrañable, de atmósferas opresivas y caciquismo, de pobreza material y dignidad humana, que Rulfo elevó a un plano mítico e intemporal para convertirse en uno de los mayores escritores de nuestro idioma.
El libro catálogo de la exposición, magníficamente editado por la Virreina y Lunwerg con el apoyo de Caja Madrid, reúne 187 imágenes, acompañadas por textos de Carlos Fuentes, Víctor Jiménez (director de la Fundación Juan Rulfo), Erika Billeter, Eduardo Rivero, Margo Glantz y Jorge Alberto Lozoya.
Después de un periplo paralelo por Sao Paulo, la exposición se ha trasladado actualmente al Palacio de Bellas Artes de la ciudad de México, donde será reinaugurada el día 19 de septiembre.
Algunas de las imagenes de Juan Rulfo las podemos admirar aqui.

Rafa Olivares
 
Rafa Olivares, para mas de alguno de nosotros, es un viejo conocido y para mi ha sido un poco dificil escribir acerca de el, y su trabajo,  ya que lo considero mi amigo. Sin embargo, me he armado de valor y si tengo algo que decir de sus fotografias.
La formacion academica de Rafael (Arquitectura) , desde mi punto de vista,  ha sido el catalizador de su muy particular estilo. Tiene un concepto de la composicion, estetica y distribucion del espacio que dan sobriedad a todas y cada una de sus fotografias.
El estilo de Rafa es impecable, siempre directo y por lo general minimalista. Sus tomas son complementadas mediante un excelente postproceso en el cual agrega aberraciones cromaticas y viñeteados que van desde lo sutil hasta lo verdaderamente obvio.
Sus tomas nos hacen voltear a verlas, algunas causan confusion, otras son intrigantes pero siempre consiguen atraer nuestra atencion. Las fotos con iluminacion dura y que capturan escenas de la vida cotidiana nos permiten identificarnos con mas de alguna de esas situaciones.
Rafa Olivares redefine la composicion: Toma las reglas mas basicas, las rompe y las reinventa logrando tomas espectaculares, y sin embargo, totalmente minimalista.
Vale la pena al 100% dedicarle tiempo a la obra de Rafael. Su galeria de flickr la podemos observar en:  http://www.flickr.com/photos/panoramika/


La Toma de la Semana
Como estar listo para tu proxima sesion de fotografia.

Recuerda que la buena planeacion de la sesion fotografica dara al final buenos resultados. El buen retrato se da solo si existe una verdadera relacion entre el modelo, el fotógrafo y el tema.
Debemos, como fotografos, hacer del conocimiento de nuestro modelo los consejos que plasmo en este post con la finalidad de, que ademas de darle tranquilidad y confianza a nuestro sujeto, se sienta libre de discutir cualquier pregunta o idea que pueda tener antes de la sesión.
Primero, es necesario aconsejarle a tu moodelo que haga lo posible por mantenerse bien hidratado y que duerma bien al menos dos o tres dias antes de la sesion, ambos reducirán ojos hinchados.

Debemos ayudar a nuestro modelo a elegir un vestuario con colores simples, y de preferencia, solidos. Demasiados patrones y colores brillantes son grandes distractores que pueden demeritar nuestro trabajo. La combinacion de colores debe ser armoniosa : hay que coordinar la ropa con en fondo para que el conjunto sea armonioso. En un retrato del grupo hay que cuidar que una persona no domine la escena.
La ropa oscura tiende a reducir al mínimo tamaño de cuerpo y los tonos brillantes tienden a acentuar tamaño de cuerpo. La mayoría de la gente luce mejor cuando usa colores oscuros.
Elegir colores sólidos es generalmente una forma de darle elegancia a nuestra foto. Un patrón cargado causara distraccion.
A menudo, los zapatos y los calcetines se pasan por alto, pero hay que tener cuidado de que todo el conjunto del vestuario este bien combinado. Aconseja a tu modelo que elija cuidadosamente su ropa de la cabeza a los pies.

Vestuario para los retratos profesionales (de negocios)

Lo clasico nunca falla : una camisa blanca pura acentuará su cuello mas que su cara, sin embargo el uso de colores pastel (discretos y armoniosos) o una camisa rayada moderadamente con una corbata sutil es lo ideal.
Evita corbatas de colores chillantes, de diseño cargado, y sobre todo evita corbatas « simpaticas ». Debemos aconsejar a nuestro modelo que si lo desea se sienta libre de traer consigo algo de ropa, accesorios o joyeria y que nosotros le ayudaremos a escoger lo mejor para la toma.
Vestuario para los retratos al aire libre

Como fondo, el aire libre normalmente esta muy cargado. Es importante elegir solamente uno o dos colores de vestuario. Mientras que los azules son excelentes todo el año, el blanco, el marfil, el color caqui y los salmones lucen mucho si tenemos como fondo follaje verde. Cafe y el gris son agradables para tomas en la tarde.
En este tipo de tomas hay que evitar los verdes : coinciden con la madre naturaleza. La simplicidad de utilizr dos colores ayuda al separado del sujeto y del paisaje. Los fondos cargados y la ropa con diseños saturados hacen que se pierda la atencion sobre la cara del fotografiado.
Los pantalones vaqueros (jeans) y los suéteres siempre van bien cuando se hace una toma en locacion al aire libre, pero, hay que evitar que el modelo use sombreros que pudieran echar una sombra sobre los ojos. Sin embargo, si nuestro modelo quisiera utilizarlos, siempre es posible utilizar iluminacion de relleno tal como flashes o rebotadores.
Finalizo el post con una lista
Recuerda:

1. La simplicidad es la mejor política.
2. Evita los patrones cargados y los colores brillantes.
3. Usa colores sólidos.
4. Evita usar amarillo o verde: afectan el color de piel y no van con el paisaje (en tomas exteriors)
5. Los zapatos y los calcetines deben combinar con el resto del vestuario.
6. Las mujeres no deben usar ninguna joyería prominente. Los aretes grandes son especialmente distractores
7. Las mujeres pueden aplicar maquillaje estándar con una base ligera. 
8. Para los hombres : Es mejor una rasurada hecha un par de horas antes que la barba de medio dia.
9. El dia de la sesion no es el momento para experimentar un nuevo estilo de corte de pelo o peinado.
9. Si el modelo usa lentes, considera que puedes usar un par de aros sin cristales. Esto te facilitara la vida y eliminara reflejos.
10. Pantalones cortos : NO ! ni para el modelo, ni para el fotografo.
A11. l momento de la sesion asegurate que si alguno de los retratados usa corbata, esta este bien abrochada, derecha y que no este arrugada.
12. Los cuellos altos son siempre elegantes.
13. Cuando exista una duda : , Los estilos clásicos no saben fallar.
14. Si vas a hacer una sesion de lenceria, o en la que tu modelo posara ligera de ropa, hay que aconsejar que lleguen sin reloj, collar, ropa apretada (incluyendo ropa interior) ya que todo esto puede dejar marcas que no son agradables a la vista y te retrasaran tu sesion hasta 1hr por que tendras que esperar a que se borren.
15. Pide a tu modelo que lleve la musica que le guste : con eso lograras un ambiente agradable y mas relajado para ambos.
16. Por tu seguridad y tranquilidad: Pide a tus modelos que siempre lleven compañia (sobre todo si es una sesion de desnudo, una sesion con un modelo de tu sexo opuesto o una sesion con niños) y nunca toques mas alla de lo necesario a tus modelos, sean hombres o mujeres.
Con estos consejos y un poco de imaginacion estoy seguro que tendras excelentes sesiones de retrato.
Agrego un video a este post ya que he recibido un par de preguntas sobre como lograr los fondos totalmente blancos. El video esta en ingles, pero aun asi es realmente clara la explicacion. Espero les sea util




Gracias por leerme.
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martes, 8 de septiembre de 2009

Semana 07


Continuando con la dinamica de la semana pasada, seguire hablando de fotografos mexicanos, como es el caso de Agustin Casasola.
A este fotografo le tengo un aprecio especial dado que fue uno de los primeros autores que estudie cuando comenzaba mi formacion fotografica.
Quede impresionado de sus fotos, por un lado por que nos presenta una fotografia costumbrista del Mexico revolucionario (1910), y por el otro, sus fotos periodisticas y retratos a grandes personalidades reflejan su profesionalismo y reconocimiento en los dificiles tiempos que forjaron el Mexico que hoy tenemos.



Agustin Casasola
Agustín Victor Casasola, fotógrafo mexicano de la vida nacional, incluyendo la Revolución mexicana, cuya colección conforma el acervo del Archivo Casasola. Nace el 28 de julio de 1874 y muere el 30 de marzo de 1938 ; en la ciudad de México.
Inició su carrera como tipógrafo en el diario El Imparcial. Ascendió a reportero de los diarios mexicanos El Globo, El Popular, El Universal, El Tiempo y el El Imparcial. En 1894 se convirtió en fotógrafo. Se le acredita el haber fundado la primera agencia mexicana de prensa, la Agencia Fotográfica Mexicana. Posteriormente recibió el agradecimiento del presidente interino Francisco León de la Barra por inaugurar una nueva fase de libertad en la prensa fotográfica.
A finales de 1912 la agencia se había expandido, y cambió su nombre a Agencia Mexicana de Información Fotografica. La agencia atrajo a más fotógrafos y comenzó a comprar fotografías a agencias extranjeras y fotógrafos aficionados para su posterior venta a los diarios. Cuando El Imparcial dejó de editarse en 1917, Casasola recuperó los archivos del diario, compilando muchas de sus fotografías en el "Album histórico gráfico" que cubre los sucesos de la Revolución mexicana. Sólo logro imprimir los primeros seis volúmenes, que cubren los años de 1910 a 1912, por falta de interés del público. En 1920, junto a otros fotógrafos mexicanos de renombre, fundó la Asociación Mexicana de Fotógrafos de Prensa.
Su acervo fotográfico es conservado por el INAH en la Fototeca Nacional, bajo el nombre de Archivo Casasola.
Fue padre del fotógrafo mexicano Gustavo Casasola Zapata.

Aitor Jorge Pascua
 
Aitor Jorge Pascua (HDRI)
Como lo prometido es deuda, vuelve al blog Aitor Jorge Pascua, esta vez con su trabajo de HDRI. En su galeria presenta una serie de fotografias que muestra, a mi gusto, la verdadera definicion de la sobriedad en el uso de esta tecnica. A travez de cada una de sus tomas  es posible admirar el balance que obtuvo mediante la mezcla de diferentes exposiciones y el manejo del mapeo de color, logrando con ello mostrarnos imagenes de gran naturalidad o bien, transportandonos a un mundo casi surrealista.
Tambien es importante observar  detenidamente las no menos interesantes tomas HDRI en escala de grises (blanco y negro), en las cuales es posible apreciar una gran cantidad de detalles, tonalidades y texturas que van desde el liso y negro absoluto hasta el blanco total, pasando por una gran gama de tonos de gris, y de esta manera, logrando una combinacion de clarobscuros que generan un gran atractivo visual.
Cito a Aitor Jorge Pascua con toda la intencion de mostrarles un ejemplo a seguir y tambien como una excelente introduccion al tema de esta semana: Fotografia  HDRI.
La Toma de la Semana
Qtpfsgui 1.9.3 tonemapping parameters:Operator: DragoParameters:Bias: 0.85------PreGamma: 1
High Dynamic Range (HDR) o HDRI (I de Image), aunque el nombre completo de esta tecnología es "High Dynamic Range Rendering" o HDRR (Renderizado de Alto Rango Dinámico), es una tecnica de renderizado que imita el funcionamiento de la pupila en el ojo humano. El ojo humano se adapta de forma continua y con gran eficacia a las diferentes luminosidades de una misma escena abriendo o cerrando la pupila mientras se va integrando toda la información captada en el cerebro. De esta forma, este órgano es capaz de hacer ver de forma clara una escena con zonas con diferente iluminación.
Las camaras fotograficas no tienen esa capacidad de adaptación y lo que hacen por medio del exposimetro es tomar una media de las diferentes zonas y realizar la fotografía con ésta, de forma que algunas zonas pueden quedar bien iluminadas pero a costa de que otras queden oscuras y otras demasiado blancas.
Mediante las técnicas de HDR, se intenta compensar este defecto de la fotografía consiguiendo iluminar correctamente todas sus zonas aunque contengan "cantidades de luz" muy diferentes.
El HDR una tecnica de reciente aparición en fotografía digital, que también se beneficia de este realismo, y consiste en tomar tres o más fotografías de una escena estática: unas subexpuestas (-1 o 2 pasos), otra normal, y la otras sobreexpuestas (+1 o 2 pasos) – Para mi, lo ideal es variar la exposicion +/- 1.5 pasos -. En teoría, a mayor número de imágenes, mayor calidad del "renderizado" HDR, sin embargo, con una foto “central” una subexpuesta y otra sobre-expuesta es mas que suficiente. También numerosas cámaras actuales permiten, con un solo disparo, la toma de 3 o más imágenes con distintos niveles de exposición (“Braketing”). Usualmente esta función es citada como "horquillado" de exposición, y es recomendable tomar las imágenes con un trípode o soporte fijo.
Es importante tener en consideracion varios “tips” al tomar nuestras fotos para el HDR, ya  que para hacer esta tecnica es necesario tomar varias imagenes que se van a superponer, por lo que las imagenes deben ser identicas salvo la exposicion.
1. Usar tripie
2. Disparar con un control remoto
(con eso evitaremos que la camara se mueva entre toma y toma).
3. Usar ISO bajo (de preferencia el ISO nominal de la camara) para evitar ruido (el renderizado del HDRI tiende a amplificar el ruido).
4. Si son objetos en movimiento, hay que hacer las tomas en RAW y despues en un programa tal como el Lightroom para revelar el archivo y crear las 3 fotos necesarias a partir de un solo RAW.
5. Utilizar el modo Bracketing automatico. Es IMPORTANTE hacerles notar que la variacion de las exposiciones solo se debe hacer modificando la velocidad del obturador ya que esta no modifica la profundidad de campo. El hacer variar la exposicion cambiando la apertura de la lente cabiara tambien la profundidad de campo entre tomas y al renderizar la imagen se obtendran resultados no muy alentadores.
Ahora, como unir estas fotos que acabamos de tomar?. Existen varios programas en la red que nos ayudaran  a lograrlo, en lo particular, yo utilizo el qtpfsgui.
En general, el programa es facil de utilizarse una vez que ha sido instalado, algunos screenshoots :
  
Drago DSC_3076 DSC_3074
+ 1.5 EV
Bien expuesta
-1.5 EV


Cargar las 3 o mas fotos que formaran parte de nuestra imagen HDR qtpfsgui1
Seleccionar como referencia la foto con la exposicion central qtpfsgui2
En esta parte es mejor dejar
los parametros default.
qtpfsgui3
En esta seccion ya se encuentran
mezcladas nuestras imagenes.
Ahora resta tonear el hdr
qtpfsgui4
En este punto debemos seleccionar el tipo de toneado que utilizaremos y los parametros que haran variar el aspecto final y los tonos de la toma. qtpfsgui5
Para este ejemplo, utilice dos algoritmos de toneado: Fattal y Drago.
En este caso, genere dos imagenes que mas tarde mezclare con ayuda de Photshop
qtpfsgui6_fattal
 qtpfsgui7_drago          
Fattal fattal
Drago fattal
Imagen Final
Esta imagen fue mezclada en photoshop de la siguiente forma:
1. Se abre la imagen Drago como background
2. La imagen Fattal se abre como capa 1
3. El modo de mezclado de capas es Superponer
4. Se varia la opacidad de la capa 1 hasta obtener un resultado satisfactorio.
5. Fusionar las capas
6. Ajustar brillo y contraste
7. Aplicar efecto Orton pero aplicando mascara sobre la estatua para evitar que el efecto se aplique sobre ella.
Qtpfsgui 1.9.3 tonemapping parameters:Operator: DragoParameters:Bias: 0.85------PreGamma: 1
El tratamiento HDR, no abusando de el, nos proporciona una herramienta para crear imagenes realmente impactantes. Algunos resultados que he logrado :



Espero que esta tecnica sea de su agrado y les agradezco como cada semana el que me hayan leido. Si tienen dudas sobre el procedimiento, sientanse con la libertad de dejar comentarios en el blog.

miércoles, 2 de septiembre de 2009

Semana 06

Comienza Septiembre, el mes patrio –celebramos la independencia de mexico-, y como en Mexico estamos acostumbrados a rodeamos del verde, blanco y rojo de la bandera mexicana y  usamos motivos patrios durante todo este mes, pues yo hare lo propio: veremos un par de biografias y fotos solo de fotografos mexicanos. Comenzando con:
Manuel Alvarez Bravo
 
Manuel Alvarez Bravo (Fotos)
(Les recomiendo AMPLIAMENTE ver la liga con las fotos)

Nació en Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.
Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacta. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.
Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera, Pablo O'Higgins, entre otros. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacia el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, con una visión que va más allá de una simple documentación, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.
En 1930 Tina Modotti fue expulsada de México por sus afiliaciones comunistas, y le heredó a Álvarez Bravo su trabajo en la revista Mexican Folkways fotografiando a los muralistas de la época.
Ese mismo año se volcó por completo a la tarea fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Bretón, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato.
La amistad con Bretón fructificó en la portada del libro "Catálogo de la exposición Surrealista Internacional" (1939) con textos de Bretón y en 1935? una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.
Durante una larga trayectoria nacional e internacional, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio internacional de la fundación Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).
Falleció el 19 de octubre de 2002 a la edad de 100 años.
La Toma de la Semana

La fotografia panoramica es un estilo de fotografia  que consiste en crear imagenes que presentan una vision extremadamente larga. Estos resultados pueden ser logrados de dos formas, ya sea con una camara panoramica o bien con una camara digital y un software que permita ensamblar la secuencia de tomas.
Consejos para sacar las fotos  y hacer tu foto panoramica:
1. Supongamos que quieren una fotografía panorámica como la que se muestra en el encabezado de esta seccion. Lo primero que tenemos que hacer hacer es pararnos en un punto y sacar varias fotos las cuales después vamos a unir. Es importante que las fotos se solapen en cierto grado ya que el programa que vamos a usar une las fotos pero no hace magia, o sea, necesita saber que foto van con cual y esto lo hace analizando qué es lo que se repite en cada foto.
Asegúrense de que todas las fotos tengan siempre la misma  exposición (compensa la velocidad si es necesario), profundidad de campo (nunca cambies la apertura entre toma y toma), factor de zoom (no muevas jamas la anilla de zoom) y foco (una vez enfocada la camara, antes de tomar la primera imagen, quita el enfoque automatico y ya no toques la anilla de enfoque) . Si quieremos una panorámica a lo ancho, es necesario sacar todas las fotos a la misma altura aunque el método que describo aquí puede unir fotografías varias filas y crear una megafoto.
Es necesario utilizar tripie, y las tomas las podemos hacer de dos maneras: la complicada que consiste en correr el tripie en linea recta en forma paralela a nuestro sujeto. La segunda (y mas facil), con el tripie fijo girar la camara para obtener las tomas necesarias para abarcar el angulo deseado:

DSC_0003_thumb8 DSC_0002_thumb3 DSC_0001_thumb4
DSC_3082_thumb4 DSC_3076_thumb3
DSC_3079_thumb3
Cómo crear la foto panorámica a partir de distintas fotos utilizando Hugin:
hugin_logo17 
Hugin - Panorama photo stitcher
2. Descarguen el programa Hugin en la liga de la imagen del logo del software e instalarlo (es gratuito)
3. Al abrir el software, hay que cargar las imagenes con las que vamos a armar la panoramica.
hugin1_thumb2 
Cuando se cargan las imagenes, si estas fueron tomadas con una camara que incluya los datos EXIF, entonces se cargara de manera atuomatica la distancia focal (que zoom tenia el lente cuando tomamos la foto), el tipo de objetivo (Normal por default, solo cambiara si usamos grandes telefotos –mas alla de 105 mm- o bien grandes angulares por debajo de 28 mm) asi como el factor de multiplicacion de la camara en especifico.
hugin2_thumb5
En este punto donde ya cargamos las imagenes y reconocio (o nosotros incluimos) los datos de distancia focal, tipo de objetivo y coeficiente multiplicador, es hora de alinear nuestras fotos. Este proceso se hace de manera automatico que puede llevar cierto tiempo.
hugin3_thumb5
Esto depende de tu maquina (procesador y memoria) y el tamaño de la foto que estas procesando. A veces hay que tener paciencia.
hugin4_thumb2
Al finalizar el proceso de autoalineacion, nos aparecera una ventana con la muestra del proceso de alineado y pegado de nuestras fotos. En esta ventana podemos modificar el tipo de algoritmo de pegado y correccion del angulo de la foto (normalmente el default funciona bien), la forma de mezclar las imagenes (el normal funciona bien) y la forma de compensacion de exposicion, asi como la exposicion final de la foto. una vez que hacemos todo esto, es necesario ir a la ventana anterior.
hugin5_thumb3
En este punto, solo falta crear el panorama:
hugin6_thumb3
Como lo comentaba antes, aqui se vuelve a correr la pila de alineacion  y puede llevar algo de tiempo,  pero hay que tener paciencia.
hugin7_thumb2
Al finalizar este proceso, obtendremos una fotografia con los bordes un poco deformados (es normal por la aberracion optica que nos dan los lentes), por lo que con cualquier software de edicion de imagenes (en este caso fue el Irfanview) hacemos un crop para obtener un rectangulo de lados bien definidos, asi como el contraste, la gamma y el brillo de la foto.
hugin6bis_thumb2

hugin8_thumb5 
Una vez completado el proceso, obtenemos resultados muy satisfactorios. Con un poco de imaginacion y paciencia podemos hacer muchos tipos de panoramicas, incluyendo retratos panoramicos.
Aqui algunos ejemplos:



O bien, combinar algunos otros efectos, como el efecto Orton
Pano1_Roserie2_orton_thumb4
O quiza hasta un HDR
Eso es todo en esta edicion. Gracias por leerme.




















“Bonus track”
DSC_0031_thumb1 
Esa foto no esta retocada, es tal cual salio de la memoria. Ya se, no es una foto bonita, pero lo interesante es la iluminacion. El Spot lo logre con un Grid GoBo como los que pueden encontrar aqui, pero el mio lo hice con carton y popotes negros (los de los helados del McDonalds sirven bien: para un flash del tramaño del sb-600 (7cm X 4.5cm) se ocupan 8 popotes.
Este GoBo hace un circulo degradado, que en combinacion con otros flashes podemos obtener iluminacion muy compleja.
En la imagen utilice una gelatina de color para "resaltar” el circulo y su degradado. Como dato curioso: Toda la pared es blanca.
Las instrucciones para hacerlo las encuentran aqui
Te agradezco haber llegado al final del post y llevarte el bonus track.

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